Bienvenidos al norte: Análisis de la película.
- ¿Qué colores utiliza y por qué?
Al principio de la película se usan colores cálidos, representando el sur, el calor y lo contento que se siente el personaje allí. El cambio, cuando el protagonista marcha al norte se usan una gama de colores fríos, reflejando el desagrado, el frío, etc. En excepción de elementos como la chaqueta roja o el vestido rojo de dos de los trabajadores de la oficina de correos. En la escena del restaurante, los colores son cálidos (como el amarillo): Es una manera de decirnos que el personaje principal comienza a sentirse bien en el norte, y que a partir de aquí habrá un cambio en el entorno. Después los colores se van neutralizando y no hay tanta diferencia entre el norte y el sur.
- Describe el uso de texturas. Cita alguna escena como ejemplo.
En el sur se utilizan texturas suaves, y en el norte abundan las texturas mojadas y frías.
- ¿Se repiten algunas formas?
Las formas como la chaqueta roja de uno de los personajes, la furgoneta de correos o las bicicletas se repiten durante toda la película.
- ¿Qué tipo de composición has encontrado?Marco y formato
La composición suele ser asimétrica, pero en algunas escenas podemos ver composiciones simétricas, triangulares, de repetición etc.
El marco es a sangre y el formato es horizontal.
- ¿Hay armonías de complementarios/adyacentes? Citar.
Se usan muchos colores amarillos y verdes, rojos y azules. Durante la discusión entre el marido y la mujer, un personaje está situado sobre un fondo rojo y la otra sobre verde.
- ¿Qué tipo de iluminación simula?
Simula luz natural o artificial, según estén en interior o exterior. Norma mente luces difusas sin focos muy directos o fuentes de luz muy grandes. En el sur la luz era más cálida y en el norte más fría.
- ¿Qué transmite la película?
A través de todos los bloques analizados, podemos ver la evolución del personaje con su entorno. Al principio, el sur es donde quiere estar y el norte es un lugar desconocido y desagradable, pero a medida que avanza la película los colores, texturas, luces, etc y se neutralizan, sin marcar tanto el uso de estas.
Análisis de imágenes (Heineken y Magritte).
Primera imagen
Es 
una imagen publicitaria, tiene un nivel de iconicidad alto. Su intención es persuasiva.
Colores fríos.
Texturas frías y rugosas.
La imagen es simétrica (excepto por las nueces). Usa la ley de la Gestalt de la figura sobre fondo, formando el cascanueces la forma de una botella.
El marco es a sangre y el tamaño es variable. Forma rectangular vertical.
Simula una luz ambiental (probablemente artificial).
Lo que pretende la imagen es que asociemos la cerveza con aperitivo fresco y sano (por el uso de texturas y colores fríos y las nueces).
Segunda imagen.
Es una imagen artística, de nivel de iconicidad alto. Al ser artística su función puede ser decorativa, poética o comunicativa.
Son colores mayoritariamente fríos, excepto el tejado.
En la composición abunda una estética de repetición, fuera de campo y agrupación de los personajes formando rombos.
El marco de esta imagen aunque el cuadro original posea un marco determinado. También tiene un tamaño en concreto.
El cuadro en el que «llueven hombres», vestidos con traje de chaqueta, representa la hora punta de una ciudad, donde las calles se llenan de hombres que van a trabajar.
«Las formas del alma»
En el Instituto Cervantes de reúnen aproximadamente 60 obras de 14 autores, quienes adecuan su obra al espacio de la sala (dividiéndose en tres espacios) y se tocan temas como la espiritualidad, lo místico, el ritual, mientras que sus visitantes observan las obras en un estado mágico.
Galerías de la calle Fourquet (Madrid)
Mauro Piva
El pintor brasileño plasma en esta sala el proceso de creación del artista y por otro lado homenajes a artistas españoles.
La exposición se basa en apuntes de color o dibujos que raramente son figurativos. La mayoría de las veces son composiciones abstractas mediante las cuales busca una identificación de formas.
Existe un bloque dedicado a lo que sería el proceso de creación, donde expone una serie de cuadros que consisten en papeles donde ha limpiado sus pinceles de pintura y varias paletas de colores sin limpiar (una de madera y dos de plástico).
Klaas Vanhee
En esta pequeña sala están expuestos objetos varios: Una pelota, una camisa, unos zapatos, etc. He de reconocer que no me di cuenta que eran de madera hasta una segunda ronda por la exposición.
Acompañados de estos objetos, encuentras unos cuadros a modo de bocetos previos a las esculturas.
Todas estas imágenes surgen de una carta (CARTA A ANTONY, 14 DE OCTUBRE DE 2017) que encuentras al principio de la visita y firmada por el mismo autor. Es una carta dirigida a un ser querido donde habla de su experiencia esculpiendo y sobre lo que está trabajando, y ahí nombra los objetos que posteriormente se ven expuestos.
Antonio Malta
Son un conjunto reducido de obras en negro, blanco y obre, donde el autor construye formas a partir de figuras geométricas, siendo una composición cubista.
Son figuras confusas y perturbadoras.
El díptico de la máscara está formado por diferentes trozo de tela y hace alusión a las violentas manifestaciones de 2013 que fueron duramente reprimidas por la policía, en Brazil.
Los colores negro, blanco y ocre, junto a las figuras angulosas y retorcidas de sus cuadros reflejan la agonía y tristeza que siente el autor por estos sucesos.
Kemang Wa Lehulere
Nos adentramos a una exposición del color, de lo moderno, de lo digital. En esta instalación encontramos tanto cuadros como esculturas. Respecto a la pintura, son técnicas mixtas y algunos lienzos recuerdan al mundo digital, como es en el caso de los dos primeros (las escalas de grises) y al dibujo hecho prácticamente de una pincelada que va cambiando de colores. Varios cuadros con referencias al mundo del grafiti y otros hechos de figuras geométricas planas y una paleta de colores muy viva.
Es una exposición divertida, y atrevida, que no deja indiferente. La calavera es, quizás, una de la obras que mejor se recordarán de la galería.
Ana Prada
Esta exposición, titulada «Perfección» refleja la búsqueda de la perfección basada en Platón del «mundo de las ideas» donde existe una idea inmaterial y perfecta de un objeto. Mediante la repetición formula diferentes obras hasta llegar a la idea más cercana a la perfecta.
Tracey Moffat
Las obras de Tracey Moffat gozan de un gran acabado, puliendo todos los aspectos de la obra; el color, la composición, iluminación. A través de estas construye una ficción narrativa con historias trágicas y misteriosas, oníricas.
Esther Ferrer: «Todas las variaciones son válidas, incluida esta»
El Palacio de Velázquez se presenta como el escenario donde se plasma una serie de obras creadas a lo largo de la historia de la autora, pertenecientes y directamente influidas por las corrientes minimal de los años 60′ y 70′ y movimientos como Fluxus o el neodadaísmo.
La exposición no sigue un orden determinado, sino que invita a explorar la obra de forma experimenta:; dando vueltas por las salas, escuchando las grabaciones, sentándote en sus sillones e incluso invita a tocar el piano, pulsar botones; siendo partícipe de la obra.
La autora busca formas nuevas de expresión; se ayuda de la repetición de elementos, se acerca a lo absurdo, utiliza su propio cuerpo e incluso se basa en los números para realizar algunas de sus obras. Rehúye del lenguaje específico para ampliar su modo de comunicación. No se define ni se categoriza. Y a través de esto explora lo personal, lo social y lo político.
El forma parte de su propia obra, otorgándole carácter y empapándola de esencia humana. No son obras frías. Entran ganas de tocarlas, te producen curiosidad y te invitan a la reflexión. Es como meterse en la mente de una persona y observar todo lo que piensa, y lo que se le pasa por su cabeza. Ver su evolución y opinión de las cosas.
Tamaño, formato y marco (práctica)
El ejercicio consiste en hacer variaciones con una selfie nuestra cambiando el tamaño, formato y el marco.
Este sería el selfie.
Tamaño
Tamaño gigante
Pisapapeles
Escala 1:1
Formato
Aquí, los cuatro selfies con diferentes formatos.
Marcos
Mi selfie con cuatro marcos:
Marco rocodó
Marco con profundidad
Marco con paspartú
Marco simple
Marco con paspartú
Marco rocodó
Marco con profundidad
Marco simple
Ahora he de repetir el mismo proceso pero con un paisaje de Van Gogh, analizar lo que aporta a cada cuadro.
El paspartú ayuda a dar luminosidad y resalta los colores del cuadro. Es una técnica muy recomendada para las acuarelas ya que al secarse, la pintura pierde brillo, y éste es devuelto gracias al fondo blanco. En este caso, también dota a la pintura de luz, además de proporcionar más espacio a la pintura, expandiéndose, aspecto que al ser un paisaje agradece. En cambio, el marco sencillo limita los bordes y empobrece la composición. Quizás con un marco simple de un color más claro mejore ese aspecto, pero sigue siendo más enriquecedor el paspartú. También se puede resaltar que con el marco sencillo, la obra se acerca al espectador y la hace más presente, más tangible. Mientras tanto, el cuadro de la derecha, se aleja y tiene profundidad.
Marco simple
Paspartú
Las otras dos opciones son un marco con profundidad, que
que delimita aún más que el marco simple, ya que sus bordes quedan por delante del lienzo, «aprisionando» el paisaje, cosa que en mi opinión no embellece la obra, sino que la entorpece, ya que debería abrir la composición y esparcirla.
En mi opinión el uno de los marcos que más embellece la obra es este, ya que el marco y la obra aquí se funden para ser uno, sin ser dos elementos separados. El color brillante del marco aporta luz y carácter, siendo además de tonos dorados, que se asemejan al campo amarillo de la pintura. Las flores no le quitan importancia al cuadro sino que consiguen llamar la atención del espectador dado a su carácter recargado. Y pese a que quizás se pueda apreciar menos profundidad y expansión que el marco con paspartú, lo compensa el marco comportándose como una extensión del cuadro.
Tamaño, formato y marco (teoría)
¿Qué es el tamaño?
Son las dimensiones físicas de la obra o el grado de ocupación física.
Es el primer elemento que debe seleccionar el emisor para la enunciación del mensaje.
Se elige con relación con la escala del espectador, de modo que puede ser:
- Más grande que el espectador. Esto produce que la obra resulte imponente, sobrecogedora, impresionante.
- Más pequeño que el espectador. Cuando una obra es de este tamaño, íntima con con el espectador, es más cercana.
¿Qué es el formato?
Es la forma que tiene la obra.
Una obra puede ser cuadrada, rectangular, circular, estar en vertical u horizontal, etc.
¿Qué es el marco?
Es lo que separa la obra del espacio
La forma de exponer una obra es también parte de ésta. El marco de un cuadro mejora la impresión de éste , por lo que la elección de esto es muy importante.
Puedes exponer la obra con un marco, o sin él, ampliando el espacio. Separándolo de la pared. Con luces, sin ellas… Las posibilidades son tan amplias como la creatividad del artista.
En el caso de la escultura, el marco sería la base.
«Palimpsesto» de Doris Salcedo.
«Manuscrito en el que se ha borrado, mediante raspado u otro procedimiento, el texto primitivo para volver a escribir un nuevo texto.
Doris Salcedo es una escultora colombiana. Según ella, el haber vivido en este país le ha «acercado al horror» y es por eso por lo que utiliza su arte como protesta sociopolítica.
Es esta obra no deja el activismo de lado. Es un luto, un duelo, de todos aquellos que «cuyos nombre fueron escritos en el agua».
La exposición es sencilla: En el suelo del Palacio de Cristal están escritos nombres con agua. El suelo está hecho de aglomerado plano, para que la escritura fuese más precisa. Nombres que con el tiempo desaparecen y se forman otros. De ahí el nombre de «palimpsesto». Mirando al suelo la autora quiere «situarnos frente a las vidas de todos aquellos que mueren cruzando el mediterráneo en busca de una nueva vida en europa». Se ve reflejada la necesidad de que la vida continúe y por tanto olvidar, pero también la del recuerdo, rescatando los aspectos más hermosos del fallecido. Trabaja con el olvido, que ocurre rápido, pero se acumula en nuestro pasado.
Me gustaría resaltar que el Palacio de Cristal me pareció un lugar idóneo para realizar esta exposición, dado a la sensación de ser un espacio tan abierto, tranquilo, silencioso, gracias a sus cristaleras, que hacían que se reflejase la luz en el agua, dejando una escena preciosa.
Tras este trabajo existe una gran investigación por parte no solo de Doris, sino de un gran número de ingenieros que ayudaron construir la sala, para poder «esculpir» con el agua.
Es una sala que te llega por lo bella que es, pero cuando lees lo que hay detrás, te cautiva.
Exposición de los libros y el blog
Esta clase del pasado 15 de noviembre sirvió como una mini-evaluación general para ver cómo llevábamos los trabajos.
Expusieron mis compañeras Blanca, Isabel, Violeta y Carolina (Sampedro); primero el libro que habían leído y después respondieron a unas preguntas sobre su blog. El resto tuvimos que evaluarlas del 1 al 3.
Blanca habló sobre los «Los cornudos del viejo arte moderno» de Salvador Dalí. La nota que le puse a Blanca fue un 1 (siendo la nota máxima), por su exposición impecable que me ayudó a comprender más de cerca a Dalí.
Isabel no tenía la presentación preparada pero nos leyó su trabajo sobre el Wabi-Sabi, muy completo y con buenas conclusiones. Su nota es un 2.
Violeta también nos habló de forma muy extendida y con soltura sobre el Wabi-Sabi y sobre cómo lo aplica a su vida diaria. Por ello le di un 1.
Por último, Carolina nos habló sobre el lenguaje corporal. Nos habló sobre cómo a partir de su lectura se fue fijando más en los gestos de la gente y cómo tan solo con los gestos podemos saber de qué están hablando un grupo de personas y sus intenciones. Le califiqué con un 1.
Análisis de la forma, luz y color. 